Grandes exposiciones

Es obligado empezar por el Peggy Guggenheim. Aún diría más, sería conveniente partir de aquí para entender el inicio de la Bienal de Cecilia Alemani. ‘Surrealismo y magia. La modernidad encantada’ es, sin duda, una de las muestras que ha despertado más expectación y cuya visita no decepciona, debido a la calidad de las obras expuestas y la consistencia curatorial desarrollada por Grazina Subelyté, a partir de lo que fue su tesis doctoral. Descubre como constante en muchos surrealistas, además de la inspiración en la esfera onírica, otras fuentes como el esoterismo, la magia y el universo alquímico como forma de renacimiento tras la experiencia bélica, favoreciendo una trayectoria revolucionaria que parte de la transformación individual de los artistas. Destaca, además de alguna obra clásica de la colección como los cuadros de Max Ernst, la relevancia de mujeres como Leonora Carrington, Remedios Varo o Leonor Fini. Coincide pues con la Bienal, aunque aquí son expuestas de una manera más articulada y evidente, al mismo tiempo que se aleja de cualquier sensacionalismo, gracias a un montaje sobrio al servicio de la historia mientras favorece el diálogo entre sus protagonistas.

Además, las otras dos que han generado más ruido mediático han sido la intervención de Anselm Kiefer en el Palacio Ducal y la presencia doble de Anish Kapoor, que colaboran a aumentar las frecuentes demostraciones de poderío –por no hablar de músculo económico y tendencia a la espectacularidad– de la que suele hacer gala la Colección Pinault, y de la que fue su máximo exponente la muestra de Damien Hirst en 2017.

En el caso de Kiefer, hay que destacar que es un proyecto específico para la Sala dello Scrutinio del Palacio Ducal, con un carácter monumental indudable y con la fuerza expresiva de la que es capaz quizás el pintor vivo más importante. En esta ocasión explota nexos entre Oriente y Occidente, la historia de Venecia y el ‘Fausto’ de Goethe –como confesó el día de la inauguración–, manteniendo intacta la intensidad de otras ocasiones, como aquellas realizadas tras los pasos de Paul Celan, si bien ahora la inspiración procede de las palabras de Andrea Emo: «Estos escritos, cuando serán quemados, finalmente darán un poco de luz», que se proyectan sobre nuestro presente, para que seamos conscientes de la vulnerabilidad de estos momentos.

Por otro lado, Kapoor ha desembarcado en Venecia a lo grande, con una exposición comisariada por el director del Rijksmuseum Taco Dibbits, que se desarrolla en dos sedes: la Accademia y el Palazzo Manfrin –a partir de ahora la nueva sede del artista anglo-indio–, que en conjunto ofrece su retrospectiva junto con algunas piezas nuevas en ese negro casi puro que es el vantablack, que ya mostró en el Palazzo Fortuny en 2015. En efecto, el corte dado se centra en ensalzar la imagen de su investigación como un cruce entre arte y ciencia, al mismo tiempo que no oculta su fascinación por la materialidad de las obras y una serie de recursos que buscan la emoción del espectador.

Otra cita dentro de ese cruce de disciplinas es ‘Human Brains’ en la Fondazione Prada, que pretende identificar los momentos clave en la historia de la exploración del cerebro humano, convertidos ahora en “historias” donde relato y descubrimiento se abrazan. Este enfoque es fruto de una investigación seria, aunque puede quedar algo superficial bajo este formato expositivo. No obstante, incluso si predominase esta idea, merece la pena la visita por el diseño expositivo, que tiende a construir una atmósfera evocadora a través de la modificación de la arquitectura del palacio, que busca dar continuidad al discurso y construir un sorprendente foro en el que participan varios especialistas de distintos ámbitos de saber.

Para gustos diferentes, el gran encuentro con la artesanía de alto nivel en ‘Homo faber’, organizado por la Michelangelo Foundation for Creativity and Craftsmanship, con sede en Ginebra, que apoya el mundo de la artesanía contemporánea en clave de inclusividad y sostenibilidad. Son 15 las exposiciones celebradas en los espacios monumentales de la Fondazione Cini en la isla de San Giorgio, teniendo en común muchas de ellas la posibilidad de rastrear las afinidades entre las tradiciones italiana y japonesa.

Además, ya que se visita la isla de San Giorgio, merece la pena ‘On Fire’, con obras de Yves Klein, Alberto Burri, Aman, Jannis Kounellis, Pier Paolo Calzolari y Claudio Parmiggiani, para comprobar la creación que puede surgir de la fascinación por el fuego. Esta exposición comparte protagonismo en la Fondazione Cini con Kehinde Wiley, quien pretende mostrar «la brutalidad del pasado colonial, americano y global, usando el lenguaje figurativo del héroe caído». Como se puede apreciar, la isla reproduce en una escala más reducida ese crisol de disciplinas y argumentos que luego se repite, declinado de otras maneras, a lo largo de la ciudad en una inacabable sucesión de eventos.

Siendo así, no es de extrañar que sean muchos los clásicos con exposiciones en Venecia, de Emilio Vedova y Arnulf Rainer a Joseph Beuys, o la aparición de comisarios populares como Nicolas Bourriaud, aunque algunas de ellas pueden resultar algo decepcionantes. En cambio, sí hay que rendir homenaje a la obra del recientemente fallecido Hermann Nitsch, cuya muestra en la Giudecca está centrada en el ‘20. Malaktion’, es decir, la vigésima acción pictórica presentada en Viena en 1987, que queda ahora como expresivo testimonio de su importante legado.

Por otro lado, una vez ahí, queda muy cerca el Giudecca Art District, con galerías como Michela Rizzo, con obras de Antoni Muntadas y Hamish Fulton, entre otros, los pabellones de Georgia y Honduras, y más encuentros en torno al tema ‘Humanabilia, dal Mirabilis alla Téchne’.

Otro de los lugares que suele ser una parada obligada es la Fondazione Querini Stampalia. Este año está “ocupada” –más que entrar en diálogo– por las obras de Danh Vo, Isamu Noguchi y Park Seo-Bo, delicadas, esenciales y bonitas, pero que no llegan a tener la fuerza de otras intervenciones en este mismo espacio, como la que llevó a cabo Mona Hatoum en 2009.

Está claro que estas últimas exposiciones no pueden competir con otras como las de Kiefer o Kapoor, pero no es impedimento para que sigan extendiéndose por la ciudad, para mayor gloria de alguien. Entre las muestras con pretensiones de ser ‘blockbuster’, cabe señalar la presencia de la grotesca ‘Commedia Umana’ de Ai Weiwei en Ca’ Rezzonico –que ya estuvo en las Termas de Diocleciano–, la publicitada ‘My Stories’ de Carole Feuerman en la iglesia della Pietà y, por supuesto, las exposiciones de la Fundación Pinault con Bruce Nauman en la Punta della Dogana (ya coincidente con la Bienal arquitectura de 2021) y la de Marlene Dumas en el Palazzo Grassi.

En este punto, hay una pregunta que se vuelve pertinente: ¿cuántos de estos artistas trabajan con los espacios tan excepcionales que acogen su obra? De los anteriores ninguno o muy vagamente alguno de ellos, igual que ocurre descaradamente en otros proyectos como el de Marc Quinn en el Museo Arqueológico, siendo exposiciones que podrían estar en cualquier otro sitio. Sin embargo, tratar ambientes con una arquitectura e historia tan peculiar como si fueran simples contenedores de lujo es algo que deberían replantearse los comisarios de estas exposiciones. De no hacerlo, se desaprovecha una oportunidad extraordinaria de realizar un trabajo site specific en un contexto tan rico de posibilidades, pero sobre todo se contribuye a la construcción de una Venecia como no-lugar intercambiable por cualquier otra meca del arte contemporáneo; con más glamour, sí, pero despreciando en el fondo aquello que tiene de especial, más apreciado por su valor de mercado o turístico que por el artístico o histórico.

En cambio, hay dos proyectos que, sin trabajar tan intensamente la localización como en los pabellones de Alemania o España, sí que han llevado a cabo una loable intervención específica, convirtiéndose en dos de las mejores sorpresas de este año. El primero es la sobrecogedora instalación de Pedro Cabrita Reis en la iglesia de San Fantin. Se trata de un esplendoroso escenario en ruinas, que transmite la sensación de un paisaje que ha sido radicalmente desestabilizado, como si un terremoto o un bombardeo lo hubiera ocasionado. Sin duda, el resultado es monumental, gracias a que el artista portugués sabe manejar con maestría el contraste con el entorno en el que se inserta.

Además, se ha de celebrar la continuación del proyecto ‘The Soul Expanding Ocean’ (#3 y #4) en la iglesia de San Lorenzo. Igual que el año pasado, la comisaria es Chus Martínez, con la participación de la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Academy. En esta ocasión las dos conmovedoras instalaciones son de Dineo Seshee Bopape y Diana Policarpo, que construyen logrados ambientes donde dar voz al océano y sus historias, al mismo tiempo que permiten albergar diversas acciones, compatibilizando una buena puesta en escena con performances más llamativas, como la llevada a cabo por el Studio Drift con drones.

Por último, entre las novedades con visos de continuidad, destacan ‘Penumbra’, comisariado por Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi para la Fundación In Between Art Film –institución que ha producido la pieza de Janis Rafa presente en el Arsenale–, en la iglesia de Santa Maria dei Derelitti, con un proyecto fílmico sobre la “semi-oscuridad”. También la conversión del Palazzo Fortuny en un museo exclusivo sobre el pintor español, descartando su uso como lugar de intervenciones contemporáneas, como ha ocurrido en otras ocasiones. Sin olvidar La Toletta spazio eventi, que pasa de ser el almacén de la famosa librería a un espacio expositivo dedicado exclusivamente a fotografía. Estos últimos son ejemplos de espacios que se transforman y de dinámicas que se consolidan dentro de una constelación de relaciones que comentamos a continuación.